Parc de sculptures

Installé à Miami depuis plus de 20 ans, Mark Handforth est profondément attaché à l'héritage des avantgardes américaines du XXe siècle. Il use librement d'un vocabulaire formel emprunté au Ready-Made, à l'Art Minimal ou au Pop Art qu'il confronte à une iconographie souvent dérivée de l'environnement urbain. Red on Red, étoile rouge monumentale et rutilante aux branches cabossées de 3,45 m de haut, associe une icône de la culture américaine, l'étoile, au culte de l'automobile, l'oeuvre étant produite comme une carrosserie de voiture. Cette sculpture a été réalisée spécifiquement pour le Domaine du Muy.

D’origine vietnamienne mais ayant grandi au Danemark, Danh Vo est un artiste conceptuel qui vit et travaille entre Mexico et Berlin. Il produit une œuvre protéiforme dans laquelle il explore les rapports entre l’histoire individuelle et collective et aborde de nombreuses questions liées à l’identité, la mémoire et l’appartenance. We The People, est une reproduction de la Statue de la Liberté à l’échelle 1 en 400 morceaux de cuivre volontairement non assemblés. En effet, la reproduction à la taille réelle de la Statue de la Liberté est interdite par les États-Unis. Le titre We the People renforce cette idée de fragmentation puisqu’il s’agit des trois premiers mots seulement de la Déclaration d’Indépendance américaine. Cette œuvre peut être interprétée comme un acte de rébellion contre l’ordre mais aussi un hommage à l’accueil.

Dès le début des années 1960, Sobrino utilise le Plexiglas transparent fumé ou coloré pour réaliser ses œuvres. La superposition et la juxtaposition de formes géométriques simples donnent naissance à des compositions complexes, faisant jouer espace et lumière avec le déplacement du spectateur. En 1963, l’artiste décide de réaliser des modules géométriques avec un matériau permettant une exposition en extérieur. Cette nouvelle série en acier poli miroir est intitulée Structures permutationnelles. Les surfaces réfléchissantes de l’œuvre lui  permettent de s’intégrer complétement dans l’espace environnant.

Docteur en entomologie (science des insectes), l’artiste contemporain allemand Carsten Höller crée des oeuvres qui allient biologie, études comportementales et humanisme. Dans les séries des Double Mushrooms et des Giant Triple Mushrooms, l’artiste compose des combinaisons tridimensionnelles de répliques géantes de plusieurs sortes de champignons hallucinogènes et/ou toxiques. Le choix de cette forme hybride fait référence aux sensations effectivement expérimentées (modification de la réalité et morcellement de la pensée) en cas d’ingestion.

Inspirée au départ par les formes végétales et organiques (fruits, coquilles, racines) qu’elle transpose en plâtre ou en terre cuite, son travail évolue rapidement vers des lignes de plus en plus simplifiées, jusqu’à l’abstraction. L’artiste s’intéresse également à la liberté de mouvement qu’elle peut donner à ses sculptures. Dans un premier temps, c’est l’action humaine qui active le mouvement de l’œuvre. Puis, Marta Pan utilise les énergies cinétiques naturelles, telles que l’air et l’eau, qu’elle laisse volontiers dialoguer avec ses sculptures d’extérieur et en particulier avec ses emblématiques sculptures flottantes qu’elle développe à partir du début des années 60.

Wim Delvoye est un artiste plasticien belge qui, à travers ses créations, critique de façon souvent provoquante l’absurdité de notre société contemporaine. Notamment connu pour l’installation Cloaca et ses cochons tatoués, Delvoye questionne la valeur de l’art, joue avec son image et avec le statut de l’artiste. Le Secret fait partie d’une série intitulée « Twisted » dans laquelle il change le regard du spectateur sur certaines oeuvres classiques, notamment des sculptures baroques du XIXe siècle. Ici, à partir d’une oeuvre d’Auguste Moreau, il utilise la technique du scan 3D pour s’approprier l’œuvre originale, la tordre (dans le sens des aiguilles d’une montre ou l’inverse) et la restituer sous un angle nouveau.

Carsten Höller est connu pour jouer avec la frontière ténue qui existe entre l’art contemporain et le divertissement. Avec les Carrousels, œuvres incontournables dans son travail, il associe une forme familière liée à l’enfance à une expérience physique et à une perception nouvelle. L’artiste a délibérément modifié la vitesse, la direction et les matériaux du manège pour créer une sensation de doute, de confusion et de désorientation chez le visiteur qui est invité à prendre part à cette expérience. La représentation consensuelle du manège, et par extension du souvenir de l’enfance, est ici mise à mal par un dispositif qui individualise notre perception sensorielle.

L’œuvre 1-2-3 Tower est caractéristique des structures en briques réalisées par Sol LeWitt à partir du milieu des années 1980. En reprenant la logique de ses systèmes  modulaires, il développe une simple progression géométrique pour former une tour qui rappelle l’importance de l’architecture dans la pratique de l’artiste. Si la forme ou l’unité de base est particulièrement simple dans les oeuvres de LeWitt, c’est l’arrangement ou la disposition de cette forme déclinée selon un protocole défini par l’artiste qui constitue la finalité de l’œuvre.

L’artiste britannique Conrad Shawcross développe une œuvre à la croisée des sciences physiques, de la géométrie et de la philosophie. Membre de la Royal Academy of Arts, il s’est illustré à travers la création de sculptures modulaires et systématiques. On peut ainsi voir ses pièces comme l’exégèse d’une variété de textes écrits par des figures illustres de l’histoire des sciences (Dorothy Hodgkins, Charles Babbage…). Lattice III explore la géométrie du tétraèdre. Les 112 tétraèdres utilisés sont arrangés selon un motif de maille, comme des atomes. Par sa structure singulière, la sculpture illustre l’idée d’un espace en constante expansion et interroge la nature même du lieu dans lequel elle prend place.

Peter Regli est connu pour ses installations de Land Art et interventions, parfois anonymes, aux quatre coins de la planète. Reality Hacking, son projet initié dans les années 90 et toujours en cours, comporte près de 300 actions variées mais se traduit plastiquement souvent par de la sculpture monumentale. Regli vient perturber notre quotidien en s’emparant librement de figures ultra popularisées pour les implanter là où ne les attend pas. Ce Teddy Bear détourne l’image d’un nounours doux et chaleureux pour proposer une sculpture imposante faite d’un matériau froid et lourd.

Wang Du est un artiste dont le travail offre un regard critique sur le système médiatique contemporain. En arrivant en France en 1990, l’artiste ne lit pas le français et se contente donc de comprendre les actualités à travers les images. Il se rend compte alors de leur manipulation souvent réductrice et trompeuse et décide d’en faire sa matière première. Régulièrement, il s’empare d’images trouvées dans la presse qu’il traduit en trois dimensions en conservant les choix de cadrage ou de déformation propres à la prise de vue originale. Comme dans Image retouchée, Wang Du aime monumentaliser des faits-divers qui prennent, grâce à lui, une autre dimension.

José León Cerrillo est un artiste protéiforme qui explore les modes de représentation à  travers un large éventail de mediums tels que l’affiche, la sculpture, l’installation ou encore la performance. Il travaille à partir de systèmes géométriques simples et s’intéresse à la complication et à la codification du langage et de la perception. Ses œuvres perturbent notre perception. Puisant autant dans les plans d’architecture ou dans les dessins techniques du design et du graphisme, Cerrillo projette dans l’espace réel des formes abstraites autonomes qui s’affranchissent des limites spatiales du lieu qui les entoure. Subtraction Screen (DdM) s’inscrit dans ce contexte et a été réalisée spécifiquement pour le Domaine du Muy.

À la manière d’un bâtiment, cette œuvre a été réalisée à l’aide d’un coffrage rempli de ciment. Plusieurs niveaux et surfaces planes ont ainsi été créés pour accueillir des plantes, des objets divers ou même pour permettre au public de s’asseoir. La composition de cette oeuvre renvoie aux architectures brutalistes des années 1960 et 1970 que Melsheimer a reproduites dans des dessins à la gouache. Cette pièce
s’inscrit dans la recherche de l’artiste concernant les formes architecturales et plus particulièrement celles du modernisme et de son héritage.

Les trois éléments de cette œuvre ont plusieurs fonctions : du tabouret au pot de  fleurs de style brutaliste. Ils reproduisent en miniature des gratte-ciels et recréent ainsi un paysage urbain. L’artiste a subtilement adapté le poème Mirrors of New York (1925) de Benjamin de Casseres dans son titre qui est une allusion au modernisme architectural cité dans son travail. Les vers de ce poème ont été également utilisés comme épigramme par Rem Koolhaas dans son livre culte Delirious New York: A Retroactive Manifesto for Manhattan (1978).

La série des Stonewalls a débuté en 2001, à la suite des émeutes survenues lors du sommet du G8 à Gênes. En associant une barrière métallique et du verre brisé, cette oeuvre unit un symbole de pouvoir : les barrières qui mettent à distance le peuple, et le résultat d’une réaction violente : les vitrines cassées. Au-delà de cette symbolique,  Monica Bonvicini accentue la tension psychologique propre aux matériaux de  l’architecture moderne.

Ce banc appartient à l’oeuvre monumentale Mes Maisons réalisée en 2007. D’après ses souvenirs, Jean-François Fourtou a reconstruit à échelle double une partie de la maison de son arrière grand-mère. Les objets (balai, chaises, banc, lit) y retrouvent la taille démesurée qu’ils avaient lorsque l’artiste était enfant. Ces jeux d’échelle qu’affectionne Jean-François Fourtou perturbent nos repères d’adulte et renvoient naturellement le spectateur à sa condition et son regard d’enfant.

L’œuvre de Takis se caractérise par une interaction entre forme artistique et phénomène scientifique. Après avoir expérimenté dans ses œuvres l’énergie des champs magnétiques, Takis s’est intéressé à l’énergie cinétique du vent. Le Signal Éolien est un dispositif mécanique semblable aux éoliennes. Le déplacement aléatoire de ses pales en fonction de l’énergie et de la direction du vent rend visible un phénomène naturel et crée un dialogue entre cette œuvre monumentale et son environnement. Les éléments naturels participent à l’activation et à la poésie des oeuvres de Takis qui s’affranchissent ainsi du traditionnel statisme de la sculpture.

Dan Colen est un artiste qui s’approprie les codes de la Street Culture et du Pop Art  pour contaminer et distordre notre perception d’un quotidien ordinaire. Il utilise dans son œuvre pluridisciplinaire des matériaux pauvres (naturels ou jetables) pour les  transformer en oeuvres d’art contemplatives et de belle facture. La série M&Ms, initiée en 2012, est réalisée à partir de véritables rochers peints aux couleurs chatoyantes des célèbres sucreries. Elle monumentalise ainsi un plaisir simple et quasi universel.

Mettant la nature et l’animal au centre de ses préoccupations, François-Xavier Lalanne a développé une œuvre sensible et imprégnée d’humour, résultat d’une attention accrue à tout ce qui l’entoure. Désireux de conférer à son travail un caractère fonctionnel, la sculpture Poisson Paysage offre à l’observateur une nouvelle fenêtre sur l’environnement. Le fragment de paysage isolé devient une photographie vivante.

Cette sculpture est composée de quatre parties représentant chacune un quart de cercle. Ensemble, elles forment les « 100 % » auxquels le titre fait référence, même si assemblées elles ne forment pas un cercle cohérent. La position des éléments est importante car l’artiste les pense à la fois de façon réelle et symbolique. Certains sont posés l’un contre l’autre, empilés, calés ou groupés. Ils évoquent alors les relations qui existent entre les mots, l’information, les personnes et/ou les groupes sociaux. Les sculptures en métal de Gabriel Kuri font le lien entre le langage formel de la sculpture moderniste et les conventions de représentation des données économiques et statistiques en courbes, camemberts et autres diagrammes.

Les travaux de Guillaume Leblon envisagent autrement la relation entre les spectateurs, les objets, l’architecture et leur environnement. Les sculptures interrogent ainsi l’espace et le temps. La plaque en acier délimite un espace fictif se détachant par sa géométrie. Elle est peuplée par différentes formes étrangères les unes aux autres. Du fait de son exposition à la nature, l’oeuvre porte les empreintes du temps : son aspect change selon les variations météorologiques et la lumière. La réflexion sur le temps est également convoquée par les matériaux qui s’altèrent en réagissant aux stimulations du dehors. La sculpture est pénétrée par son environnement tout comme elle le pénètre.

Théoricien de la couleur, Carlos Cruz-Diez est une des figures majeures de l’art optique et cinétique. Son travail utilise la pureté de la couleur pour modifier notre perception de l’environnement et notre conscience de la réalité. Chromosaturation pour une allée publique invite le visiteur à s’immerger dans un pavillon composé de trois espaces de couleurs complémentaires – rouge, bleu, vert. Les effets de saturation chromatique sollicitent et perturbent nos sens à mesure que l’on avance dans les différentes parties de l’œuvre.

Dan Colen est un artiste qui s’approprie les codes de la Street Culture et du Pop Art pour contaminer et distordre notre perception d’un quotidien ordinaire. Il utilise dans son œuvre pluridisciplinaire des matériaux pauvres (naturels ou jetables) pour les transformer en oeuvres d’art contemplatives et de belle facture. La série M&Ms, initiée en 2012, est réalisée à partir de véritables rochers peints aux couleurs chatoyantes des célèbres sucreries. Elle monumentalise ainsi un plaisir simple et quasi universel.

À la fois sculpteurs, architectes et archéologues, Anne et Patrick Poirier ont débuté leur oeuvre en explorant des sites et des vestiges issus de civilisations anciennes. Leurs travaux sont une exploration de l’histoire à travers des cités réelles ou imaginaires. Ils soulignent la permanente fragilité de la mémoire et traduisent la volonté des artistes de la préserver. En pénétrant dans la sculpture composée de miroirs, le visiteur voit son image et des inscriptions sablées se superposer et se démultiplier à l’infini. De l’extérieur l’installation est le reflet de ce qui l’entoure mais à l’intérieur elle permet l’union de l’œuvre, l’environnement et le visiteur.

Nope renvoie à l’un des textes non publiés de Karl Marx, dans lequel quatre personnages débattent de manière satyrique de sujets absurdes provenant de polémiques philosophiques irrésolubles. À la fin de cette nouvelle, Merten, tente en vain de sauver son chien d’une mort misérable par constipation, mal que le triste propriétaire associe à son incapacité à écrire et transmettre ses propres réflexions. Nope est une référence directe aux contraintes de créations, à l’autocritique et aux luttes personnelles que mènent tous les artistes. Gillick joue régulièrement avec des références historiques et littéraires pour transmettre ses messages.

Sam Durant est un artiste dont les oeuvres appellent systématiquement au débat sur les problématiques sociales, politiques et culturelles dans l’histoire américaine. Direction Through Indirections représente un arbre retourné et posé sur un miroir. Cette œuvre est une référence directe aux Upside Down Trees de Robert Smithson auxquels Sam Durant ajoute une dimension plus symbolique. Cet arbre représente à la fois l’arbre généalogique, l’arbre de la connaissance mais il est aussi le symbole de la culture amérindienne, elle-même à l’origine de la culture américaine. Originellement créée en fibre de verre pour Upside Down Pastoral Scene, cette œuvre est une version réalisée en bronze pour l’extérieur.

Le travail de Gianni Motti échappe aux formats traditionnels de diffusion de l’art. Génie de l'appropriation et de la manipulation des événements, ses oeuvres se répercutent sous forme d'interférences absurdes et ironiques, et se transforment en un organe de protestation sociale et politique. Motti sème le désordre, avec une intelligence rare et un sens aigu à la fois de l’à-propos, de l’absurde et de l’engagement. Sa devise : être au bon moment au mauvais endroit. Dans Success Failure, l’artiste invite ironiquement le visiteur à faire un choix entre le chemin du succès ou celui de l’échec, véritable obsession du XXIe siècle.

Les œuvres hybrides, poétiques et surréalistes de Claude Lalanne provoquent autant l’étonnement que la fascination. Malgré l’apparente simplicité formelle de la Pomme de New York, cette sculpture aux dimensions spectaculaires, magnifie la beauté des formes naturelles les plus familières, en l’occurrence celle d’une pomme. Claude Lalanne utilise des procédés techniques tels que l’empreinte, le moulage et la galvanoplastie pour transposer fidèlement dans ses sculptures la richesse et la subtilité des formes végétales et animales.

Depuis les années 1990, Katja Schenker développe un travail qui allie performance et sculpture, et utilise le dessin, la photographie et la vidéo pour approfondir et documenter les étapes successives de son processus créatif. Cette œuvre est le résultat d’une performance réalisée en 2009 à la fondation Sittertal à Saint-Gall en Suisse. Après avoir réalisé une excavation, l’artiste a rempli la cavité obtenue d’éléments naturels divers qu’elle a ensuite entièrement recouverts de béton.  À l’issue de l’exposition, le bloc de béton solidifié a été extrait du sol puis ses faces ont été découpées laissant ainsi apparaître, à la manière d’une carotte géologique, le processus de réalisation de l’œuvre.

Installé à Miami depuis plus de 20 ans, Mark Handforth est profondément attaché à l'héritage des avantgardes américaines du XXe siècle. Il use librement d'un vocabulaire formel emprunté au Ready-Made, à l'Art Minimal ou au Pop Art qu'il confronte à une iconographie souvent dérivée de l'environnement urbain.

L’artiste américaine Andrea Zittel est connue pour son approche très particulière de l’espace, du quotidien et de son organisation. Elle crée toutes sortes d’œuvres : des sculptures, des objets, des vêtements, des caravanes, des îles désertes… Créée en 1997 à l’occasion de Munster Sculpture Project en Allemagne, A-Z Deserted Island VI appartient à un ensemble de 4 petits « îlots » flottants réalisés en fibre de verre et équipés d’un siège individuel. Destinées à l’origine à flotter ensemble, les œuvres A-Z Deserted Islands, traduisent à la fois un besoin d’isolement et d’intimité tout en restant proche d’une communauté.

Cette œuvre est une sculpture habitable et fonctionnelle. Telle une chambre d’hôtel mobile, l’intérieur comprend tout le confort de base : matelas, draps, couvertures, veilleuses et prises électriques. Fabriquée en fibre de verre, cette unité d’habitation rappelle le minimalisme des célèbres Soft Edge Furniture, réalisées dans les années 1990. D’une largeur équivalente à celle d’un lit double, cet abri aux apparences de coffre-fort est aussi rassurant qu’anxiogène, faisant écho au « capsule hôtel » japonais, qui présente la particularité d’optimiserl’espace en offrant de simples cabines-lits aux clients.

L’œuvre sculpturale de Keith Haring, réalisée entre 1982 et 1989, était destinée à l’origine à un usage dans l’espace public. Ces sculptures ont pour vocation de démocratiser l’art, diffuser un message direct et accessible au plus grand nombre sans se soucier des préoccupations du monde de l’art. Avec la sculpture monumentale, Keith Haring a pu développer une expression alternative au Street Art et partager durablement son style énergique et généreux dans des environnements urbains.

Dans la filiation des Ready-Made de Duchamp, l’artiste suspend quatre chaises banales en haut des arbres du parc. Ce geste absurde est fidèle à la philosophie du groupe Ecart, proche de Fluxus, qu’Armleder fonda en Suisse en 1968. Par des associations simples et délibérément humoristiques, Armleder bouscule la notion et le statut d’œuvre d’art, une chaise perchée en haut d’un arbre devient ainsi une sculpture monumentale. La sacralité de l’art est ici mise à distance au profit du plaisir du jeu et de l’inattendu.

La sculpture, inspirée de la forme d’un rocher solide et immense devient ici moderne, digitale, lisse et précise, comme découpée au laser. En utilisant les techniques de production les plus innovantes, Arik Levy estompe les limites entre sculpture et design contemporain. Les surfaces de RockStone 198 réalisées en acier inoxydable poli miroir ne réfléchissent pas seulement la nature, elles créent des effets d’optiques qui déforment notre perception de l’environnement immédiat.

L’œuvre Dream Stone est née de la découverte d’un caillou glané sur le chantier de l’Exposition Universelle à Shanghaï en 2010. Après avoir scanné, modélisé et agrandi des milliers de fois informatiquement ce modeste caillou, des plaques d’acier ont ensuite été usinées, découpées au laser et montées tel un feuilletage en nid d’abeilles. L’artiste a finalement obtenu une sculpture monumentale qui évoque l’adéquation de la nature au monde contemporain et les métamorphoses induites par les nouvelles technologies.

Cloud Cities est une utopie architecturale développée par Tomás Saraceno qui permettrait de surmonter les problèmes de surpopulation et de destruction de l’environnement. Inspirée de l’éponyme Airport City de Frankfurt, cette oeuvre est une constellation d’imposants modules interconnectés les uns aux autres. Elle invite le visiteur à entrer et à se mouvoir dans cet espace à la géométrie complexe, alliance d’architecture, d’art et de science. Ce prototype de cité flottante pensée comme un assemblage de cellules fait référence à l’architecture utopiste de Buckminster Fuller et notamment à son projet de sphère en lévitation Cloud Nine.

Digne héritier du langage duchampien, Subodh Gupta utilise des objets du quotidien qu’il accumule pour réaliser des installations et sculptures monumentales. Ces objets, le plus souvent des ustensiles de cuisine en inox, font référence à la culture indienne et aux réalités sociales et politiques de ce pays. Dans son œuvre A Giant Leap of Faith, Gupta a empilé 13 seaux pour former une colonne monumentale. Le seau, symbole du labeur quotidien de millions d’individus, acquiert ici une dimension spirituelle, à la manière des étranges monuments en béton dans la campagne indienne.

Claudia Comte est une artiste qui produit une oeuvre protéiforme : installations, sculptures, peintures, pyrogravures, dessins, photographies. Cette peinture murale compose un quadrillage géométrique vert et noir sur un mur de 3 × 6 m. Claudia Comte réalise régulièrement des peintures monumentales qui immergent littéralement le spectateur et les oeuvres environnantes dans des décors hypnotiques. Leurs rythmes répétitifs et leurs couleurs éclatantes distordent avec gaieté et insouciance l’héritage de l’Art optique et de la peinture minimaliste. Cette sculpture a été réalisée spécifiquement pour le Domaine du Muy.

Cette œuvre se divise en quatre éléments qui délimitent et encadrent un espace cubique ; chacun étant composé de deux plaques d’acier poli miroir qui s’entrecroisent à 90 degrés. Leur hauteur, 183 cm, est empruntée au Modulor de Le Corbusier. Le visiteur peut circuler à l’intérieur de cet espace mis en abyme par la réflexion des surfaces miroitantes de l’oeuvre. Installée dans un espace naturel, l’oeuvre reflète également son environnement au point de s’y fondre totalement.

Yayoi Kusama développe son oeuvre autour de thèmes récurrents tels que l’infini ou l’autoportrait. Elle réalise des oeuvres en répétant un motif, généralement le pois, de manière obsessionnelle. L’installation Narcissus Garden est composée de 1 600 sphères en acier inoxydable poli miroir qui flottent dans un bassin ou un étang. Présentée pour la première fois en 1966 lors de la 33e édition de la Biennale de Venise, Yayoi Kusama avait versé ces sphères miroitantes dans les canaux situés devant le pavillon italien sans avoir été invitée à l’événement.

La Petite Maison est une action réalisée spécialement pour l’inauguration du Domaine du Muy. Une maisonnette en bois suspendue à un hélicoptère est lâchée depuis les airs pour s’écraser finalement en pleine nature. Cette action est caractéristique de la violence spectaculaire à l’oeuvre dans les performances de Roman Signer. Comme il le dit lui même, « une explosion n’est pas, pour moi, une destruction mais une transformation ».

Dans Knot II, issue de la série EXTENDED BLOCKWORKS (2010-2012), l’artiste déploie des volumes constitués de multiples blocs, orientés selon trois axes distincts. Gormley recourt au langage architectonique en réquisitionnant l’empilement, le maintien et le soutien des éléments par l’utilisation du porte-à-faux qui instaure des tensions évoquant celles présentes dans les milieux urbains.

Composée d’un vélo fixé au sommet d’un mât métallique, cette girouette pivote indéfiniment au gré du vent. Ce phénomène particulier de mouvement permanent autour d’un point fixe est représentatif de l’humour et l’absurde présents dans l’oeuvre de Roman Signer. L’artiste, fasciné par les bicyclettes, a réalisé plusieurs performances depuis 1982, notamment à la 48e Biennale de Venise, dans lesquelles il tourne en vélo autour d’une colonne. Leur signification résidait précisément dans la contradiction insurmontable entre la dynamique et le statique et suscitait une impression d’absurdité obstinée.

Depuis plus de 40 ans, Anne et Patrick Poirier visitent, fouillent, collectent et inventorient des sites et des vestiges issus des civilisations anciennes. Hommage à la mémoire de la civilisation mésopotamienne disparue, ce siège de granit noir résulte d’une longue recherche menée par le duo d’artistes autour du bassin méditerranéen et plus particulièrement sur le territoire de l’ancienne Mésopotamie que recouvrent aujourd’hui l’Irak et la Syrie. Anne et Patrick Poirier se positionnent en tant que qu'observateurs de l'histoire de cette région, en nous restituant des formes qui relèvent autant d'un tourisme éclairé que d'une archéologie poétique.

Évoquant à première vue un buste en marbre de style antique, cette oeuvre reproduit en réalité les traits du célèbre punching ball « Big Bob » utilisé pour l'entraînement des sports de combat. De manière humoristique, Claire Fontaine inverse le statut de Bob, simple mannequin de frappe devenu une œuvre d’art intouchable (au sens propre comme au figuré). Ce renversement ironique des valeurs conventionnelles est caractéristique du travail de Claire Fontaine.

À la fois théoricien, photographe, vidéaste ou encore architecte, Dan Graham est une figure incontournable de l’art d’après 1960. Depuis la fin des années 70, une part importante de son travail est dédiée à la conception de dispositifs à la frontière entre sculpture et architecture. Ces Pavillons, faits de métal et de verre transparent ou réfléchissant, jouent sur l’expérience sensorielle du spectateur qui prend conscience de son statut de sujet en se confrontant à son propre reflet ou à la rencontre de l’autre dans un même espace.

Peter Kogler décline depuis une vingtaine d’années une série de motifs récurrents – fourmis, cerveaux, globes terrestres, ampoules, entrelacs – qu’il applique à tout type de support bidimensionnel et tridimensionnel. Cette iconographie volontairement réduite évolue en permanence en fonction des avancées technologiques. Les bancs rouges et gris sont ainsi le résultat de la modélisation numérique d’une fourmi et du découpage laser de l’acier. Ces nouvelles techniques étant aussi bien utilisées dans l’industrie que dans la création artistique, Peter Kogler crée de la même manière un banc ou une sculpture et rejette ainsi la traditionnelle distinction des genres.

Peter Kogler décline depuis une vingtaine d’années une série de motifs récurrents – fourmis, cerveaux, globes terrestres, ampoules, entrelacs – qu’il applique à tout type de support bidimensionnel et tridimensionnel. Cette iconographie volontairement réduite évolue en permanence en fonction des avancées technologiques. Les bancs rouges et gris sont ainsi le résultat de la modélisation numérique d’une fourmi et du découpage laser de l’acier. Ces nouvelles techniques étant aussi bien utilisées dans l’industrie que dans la création artistique, Peter Kogler crée de la même manière un banc ou une sculpture et rejette ainsi la traditionnelle distinction des genres.

En 2012, Sarah Morris a réalisé un film et un ensemble de peintures sur la modernisation du Brésil contemporain et particulièrement la ville de Rio de Janeiro. Danuza Leão est une déclinaison de l’une de ces peintures. La composition géométrique et abstraite de cette oeuvre fait références à des sources aussi diverses que l’architecture de Niemeyer et de Lina Bo Bardi, les couvertures des albums de Bossa Nova et l’environnement urbain contrasté de Rio. L’utilisation du caisson lumineux, utilisé habituellement pour les enseignes, replace d’ailleurs la peinture de Sarah Morris dans un environnement public.

Sylvie Fleury associe régulièrement des icônes Pop à une esthétique minimaliste. Le champignon évoque autant les drogues psychotropes que les contes de fées, à l’image des champignons géants d’Alice au Pays des Merveilles. La sculpture en fibre de verre laquée par de multiples couches de peinture automobile nous renvoie quant à elle aux techniques industrielles contemporaines. Sylvie Fleury crée une oeuvre hybride faite d’une subtile combinaison de codes féminins et masculins.

Les Teardrops de Rob Wynne sont des sculptures en bronze qui représentent littéralement des larmes. Elles sont présentes dans son travail et notamment dans ses installations depuis plusieurs années. Leur couleur et leur matérialité produisent un contraste surprenant avec la forme représentée. Installées dans un environnement architectural ou naturel, ces oeuvres confèrent à leur support un aspect anthropomorphe. Leur association aux arbres du parc est à la fois surréaliste et poétique.

Influencée par l’esthétique psychédélique et le New Age, Vidya Gastaldon développe un travail émotionnel et sensible qui s’affranchit des apparences concrètes et des connaissances rationnelles. Mini Brothers (Oak) donne vie à un arbre en lui greffant des yeux cartoonesques qui semblent observer notre passage. Elle fait ainsi du plus banal des arbres un personnage merveilleux tiré d’un dessin animé.

Cette oeuvre invite le spectateur à contourner les notions de drapeau, de territoire et d’identité – perçues comme des obstacles à la liberté individuelle. L’oeuvre est originellement un hommage au philosophe Jacques Derrida et son principe de déconstruction. Enfin, J’aime l’Amérique, fait référence à la célèbre performance de Joseph Beuys, I like America and America likes me (1974).

Cette sculpture dépouillée, représentant une tête aux contours abstraits, crée une  présence physique hybride dans l’environnement naturel du parc. Le travail de Not Vital oppose souvent des formes organiques à des matériaux industriels. Les surfaces poli-miroir de ses sculptures reflètent le spectateur et son environnement. Cette symbiose entre la forme et son matériau, entre l’oeuvre et son environnement, nous invite à la contemplation et la méditation.

Claude Parent, architecte et théoricien décédé en 2016, est l’une des légendes françaises de l’architecture. Pourfendeur à la fois d'Haussmann et de Le Corbusier, il avait reçu le Prix National d’architecture en 1979. Il est le père de la théorie de la « Fonction oblique » qui établit un nouveau rapport au sol fondé sur l’instabilité et le déséquilibre. Les plans inclinés, les formes irrégulières et discontinues sont remarquablement combinées dans Les Îlots, oeuvre composée de deux éléments en acier et aluminium, à la fois mobilier de design et sculpture.

Cette oeuvre fait partie de la première période des Nanas, ces sculptures féminines, rondes et sexy, qui deviendront emblématiques de l’oeuvre de l’artiste. Inspirée par le corps arrondi de son amie Clarice Rivers alors enceinte, Niki de Saint Phalle réalise, à partir de 1965, ces sculptures de femmes aux formes généreuses, ornées de motifs décoratifs très colorés. Elles sont le reflet d’une nouvelle vision de la femme apparue dans les années 60, des images fortes d’une féminité et d’une maternité triomphantes.

Cette sculpture-fontaine aux couleurs chatoyantes représente des « Nanas », ces figures féminines emblématiques de l’oeuvre de l’artiste, réunies joyeusement dans leur bain. Les bouches et les seins de ces femmes aux formes arrondies laissent jaillir des jets d’eau. La gaieté manifeste de cette oeuvre est un hommage à une féminité et une sexualité décomplexée. Un exemplaire de cette fontaine se situe dans le Jardin des Tarots, chef d’oeuvre réalisé par Niki de Saint Phalle entre 1979 et 1993.

Cette sculpture rend hommage au cosmonaute russe Youri Gagarine, le premier homme à avoir effectué un voyage dans l’espace en 1961. Veilhan représente Gagarine dans la posture du gisant, un homme couché à plat-dos, qui appartient à la sculpture funéraire du Moyen Âge. Paradoxalement, les matériaux utilisés et les techniques de production sont les plus innovants aujourd’hui. Cette fusion entre tradition classique et mode de production contemporain est caractéristique du travail de Xavier Veilhan.

L’univers de Michel François se révèle incroyablement vivant en raison de l’emploi de matières dynamiques et en transformation permanente. Dans l’installation L’Arbre à pluie, un système de brumisation crée une pluie fine qui enveloppe entièrement un arbre. Au delà de l’aspect spectaculaire et surnaturel de cette oeuvre, c’est notre perception qui est sollicitée par les mouvements subtils de la bruine qui déforment les contours de l’arbre et créent d’infinies variations lumineuses.